Поп-арт: быт как искусство.

1 Зарождение поп-арта

2 Основоположники поп-арта

-Поп-арт Ричарда Гамильтона

-Становление Энди Уорхола

3 Энди Уорхол в мире поп-арта

4 Признаки поп-арта

5 След поп-арта

В конце 1950-х годов, как художественное течение, поп-арт возник в Великобритании и США в противовес абстрактному экспрессионизму. Ричард Гамильтон и Энди Уорхол стояли у истоков этого стиля. Однако первую работу в этом направлении создал Эдуардо Паолоцци, сыгравший не последнюю роль в его становлении.

Художники стремились разрушить устоявшиеся каноны, отвергая традиционные формы в пользу повседневности и элементов массовой культуры. В их творчестве центральное место занимали такие объекты, как бутылки, упаковки, бытовые приборы и другие предметы обихода. [1]

Работа Эдуардо Паолоцци, предопределившая появление поп-арта, считается первой в этом стиле. Он находился под сильным влиянием американской культуры и постарался отразить в своей работе привлекательность спокойной, обеспеченной жизни. Образ девушки из рекламного плаката, окруженной различными предметами, поначалу цепляет внимание зрителя, а затем он обратит внимание на остальные элементы коллажа, такие как американская открытка с характерным для того периода содержанием — бомбардировщик и патриотичный мотивационный текст, кусочек из газеты, возможно с рекламой ювелирных изделий кричащей «НАСТОЯЩЕЕ ЗОЛОТО» реклама кока-колы, кусочек из меню кафе с вишневым пирогом и пистолет с надписью «Pop»

Все это сильно контрастировало с истощенной войной Европой, жизнь на западе казалась такой яркой и манящей.

После этой работы важным этапом в становлении стиля стало творчество Английской группы художников, сформировавшейся в результате неформальных встреч в Лондонском Институте современного искусства. Палоции был одним из основателей группы и очевидно его видение сыскало поддержку в ее кругах.

Британская Независимая группа стала основоположником стиля, основаная в 1952 году Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци.

Работы Независимой группы нашли свое первое значительное выражение на выставке в Лондоне в 1956 «This is Tomorrow». Для этой выставки Ричард Гамильтон создал знаменитый коллаж «Что делает современные дома такими особенными, такими привлекательными?». В интерьере, оформленном в соответствии с последними трендами того времени, автор представил образы новейших бытовых технологий, включая пылесос с удлинительным шлангом и телевизор.

Также в композицию вошли изображения «хозяев» — фигуры полуобнаженного мужчины и женщины, вырезанные из глянцевого журнала. За окном был изображен фасад кинотеатра, символизирующий многообразие городских развлечений. Дополняет образ накачанный мужчина, держащий в руке большой леденец с надписью «POP», что аллюзией отсылает к названию движения. [2]

Именно упомянутые ранее Ричард Гамильтон и Энди Уорхол считаются основателями поп-арта. Их работы получат статус «культовых» и навсегда оставят свой след в истории искусства.

Ричард Гамильтон считался ведущей фигурой британского поп-арта.

Гамильтон родился в Лондоне в 1922 году. В раннем возрасте он стал посещать вечерние курсы изобразительного искусства. Бросив школу в 14 лет, чтобы зарабатывать на жизнь, Ричард не оставил увлечения живописью и позже стал студентом Королевской академии художеств. После войны он продолжил обучение в школе Слейд — одном из наиболее престижных художественных институтов Великобритании.

Начиная с 1964 года, его работы выставлялись в крупных городах, включая Лондон, Нью-Йорк и Берлин.

Среди самых известных произведений Гамильтона — оформление обложки «Белого альбома» группы The Beatles и портрет Тони Блэра, изображенного в образе ковбоя. [3]

Особое виденье поп-арта Гамильтоном подарило нам множество уникальных произведений. Его основная сила, вероятно, заключается в сочетании богатого воображения с неиссякаемой изобретательностью и постоянным стремлением к экспериментам. Глубокую вовлеченность Гамильтона в сложные технические процессы раскрывают его литографии. Художник мастерски применяет широкий спектр профессиональных технических методов для достижения точных и запоминающихся визуальных эффектов в своих работах. Особое внимание Гамильтон уделяет фотографии, которая, благодаря влиянию средств массовой информации, кино, газетам, телевидению и журналам, оказывает значительное воздействие на наше восприятие окружающего мира.

Энди Уорхол родился 6 августа 1928 года в американском городе Питтсбург. Его семья, носившая фамилию, эмигрировала в США из Словакии в поисках работы.

В третьем классе Эндрю заболел хореей Сиденгама. Это заболевание сопровождается неконтролируемыми мышечными судорогами, которые человек не может подавить. Болезнь мальчик перенесли тяжело и был прикован к постели.

Чтобы поднять настроение своему сыну и развлечь его, мать начала рисовать для него различные картинки, а также приносить журналы и газеты. Именно в этот период маленький Эндрю увлекся рисованием. Он рисовал окружавшие его вещи, стараясь увидеть что-то необычное в них, и таким образом начал формировать свои первые художественные работы. Ему также понравилось делать коллажи из газет.

Закончив среднюю школу, Уорхолл поступил в Технологический институт Карнеги, решив работать в сфере рекламы. В 1949 году он завершил обучение. После этого, отправившись покорять Нью-Йорк, он изменил фамилию с Варгола на Уорхол и стал известен как Энди вместо Эндрю.

Успех пришел к художнику после создания необычной рекламы обуви. Он изобразил обувь с помощью чернил, дополнив рисунки кляксами. [4]

В 1952 году в Нью-Йорке состоялась первая выставка работ Энди Уорхола, а спустя четыре года он был принят в «Клуб художественных редакторов».

Методика трафаретной печати позволила Уорхолу создавать оригинальные произведения и воспроизводить их в большом количестве. На основе подготовленных им самим фотоматериалов и газетных вырезок были созданы его наиболее известные работы. Речь идет о коллажах с Мэрилин Монро, Одри Хепберн, Мао Цзэдун и другие. Эти произведения стали ключевыми символами поп-арта.

Скандальную известность Энди Уорхолу принесла серия рисунков с изображением долларовых купюр и банки супа Campbell. Уорхол наносил краску на консервные банки вручную, однако уже к 1963 году он перешел на использование шелкографии.

Феномен Уорхола заключался в том, что индустриальный, монотонный процесс создания консервов он поднял до уровня искусства, сделав его частью потребительской культуры — массовое производство стало неотъемлемым элементом самого творчества. Искусствовед Роберт Хьюз отмечал: разрисовать консервную банку само по себе нельзя назвать искусством.

Монотонные повторы стирают уникальность псевдообразов, которые предлагаются обществом как нечто исключительное. Шелкография стала ключевой техникой в творчестве Уорхола. Бесконечные ряды бутылок Coca-Cola сменяются портретами культовых личностей. [5]

По словам самого Энди Уорхола, его основной деятельностью было фиксирование и систематизация жизни вокруг. Результатом этого процесса сбора впечатлений стали его посмертно опубликованные работы — «Дневник» и «Философия Энди Уорхола (от Э к Ъ и обратно)». Вторая книга наглядно демонстрирует, что Уорхол не стремился быть первопроходцем, а скорее видел себя как наблюдателя, который сознательно отставал от стремительного ритма современности. Его творчество не порождало альтернативные реальности, а скорее было направлено на то, чтобы освободить пространство вокруг существующей жизни, затем сохранить его и увеличить. Отсюда проистекает его неугасающий интерес к жанру портрета в эпоху массового производства, когда выделить отдельного человека из толпы можно лишь путем его чрезмерного увеличения. В своих работах Уорхол неоднократно выражал эту идею: «Бизнес-искусство — это следующий шаг после искусства. Я начал как коммерческий художник и иллюстратор, а завершить свою карьеру хочу как художник-бизнесмен. После того, как я создал то, что называют „искусством“ или как бы там это ни называли, я переключился на бизнес-искусство. Мне хотелось быть художественным бизнесменом или бизнес-художником»

В итоге Энди Уорхол революционизировал плакатное искусство, внедрив модифицированные фотоиллюстрации.

Техника тиражирования, которую он активно использовал, породила ироничное отношение к рекламе, ставшую отличительной чертой его новаторского подхода. Это было важно, так как Уорхол стремился бросить вызов культуре массового потребления, которая, в свою очередь, питала его творчество. Кроме того, Уорхол разрушил общественные табу, первым открыто признав равноценность коммерческого успеха и творческой самореализации в искусстве.

Объекты быта.

Предметы повседневной жизни зачастую были «главными героями» работ в поп-арте. Поп-арт демократизировал искусство, разрушив представление о его исключительности и открыв двери для вдохновения из самых разных, даже самых обыденных, источников.

Изображение звезд и знаменитостей.

В этом стиле их лица обезличиваются, превращаясь в такие же продукты массового потребления. Они настолько сливаются со своими ролями, что их узнают только по костюмам, прическам или характерным позам, а не по их личностям. Созданные ими образы застывают во времени: они не меняются с возрастом, не развиваются и всегда остаются прежними.

Бытовые аспекты жизни как одни из главных символов стиля.

Изобразив что-то обыденное, знакомое всем, творцы находят отражение внутри их публики, ведь для любого человека эти образы знакомы и близки, от чего они легче воспринимаются.

Фабричное воспроизведение.

Такая простота в репродукции работ символизирует культуру массового потребления. Так же как на заводах одна за одной производятся банки супа, так же и художники делают копии своих работ, не придавая особых усилий.

Поп-арт повлиял не только на рекламу и плакатное творчество, но и на многие другие виды искусства — дизайн, моду, архитектуру и др.

Влияние на дизайн интерьеров.

Многие современные дизайнеры стараются повторить образы знаковых работ в стиле поп-арт. Это могут быть как ненавязчивые образы грамотно вписанные в интерьер, так и непосредственно картины и скульптуры как часть помещения.

Интерьер в стиле поп-арт строится на недорогих и практичных материалах: пластике, стекле, металле и бумаге. Они служат как для удобства, так и для создания эффектного внешнего вида. Главная черта этого стиля — буйство красок. Яркие, насыщенные цвета используются повсюду: на стенах, в мебели, декоре и текстиле. Палитра включает в себя красный, желтый, синий, зеленый и фиолетовый, что позволяет создавать смелые и запоминающиеся сочетания. Поп-арт — это, прежде всего, яркость и оригинальность. Важную роль играет также добавление винтажных деталей. В интерьере можно увидеть постеры с известными личностями, коллажи из газетных вырезок, а также мебель и предметы декора в ретро-стиле.

Влияние на архитектуру.

Многие архитекторы не смогли пройти стороной феномен поп арта. Поп-арт использовался в архитектуре для создания «поп-архитектуры» путем применения ярких цветов, простых форм, изображения предметов массового потребления и графических узоров. Этот стиль вдохновил постмодернистскую архитектуру, а также проявляется в смелом дизайне, часто в коммерческих или общественных зданиях, и даже в частных домах.

След поп-арта в моде.

Как и в других сферах Поп-арт оказал значительное влияние на модную индустрию. Многие бренды адаптировали его элементы в своих коллекциях, стремясь к созданию ярких и новаторских образов. Влияние этого направления коснулось и творчества Ив Сен-Лорана.

В 1966 года YSL представил коллекцию, вдохновленную поп-артом. Дизайнер использовал яркие графические принты и смелые цвета.

История поп-арта заслуживает внимания, а его влияние на современную культуру невозможно не заметить. Возникнув как вызов элитарности искусства, поп-арт превратил повседневные образы в знаковые символы эпохи, показав, что художественной ценностью может обладать даже то, что вчера казалось банальным. Он изменил представление о том, где проходит граница между искусством и массовой культурой, сделав визуальный язык рекламы, комиксов и потребительских товаров частью художественного высказывания. Сегодня это наследие проявляется в дизайне, моде, музыке, цифровой культуре и даже в том, как бренды выстраивают свою коммуникацию. Таким образом, поп-арт не только стал художественным направлением, но и создал новую оптику восприятия мира, в которой каждый — от художника до зрителя — может участвовать в формировании культурного пространства.