Оп-арт: иллюзия ожившего пространтсва

Одновременно нежная яркая работа выражает одну из важных идей Оп-арта — воздействие оптических иллюзий на зрение зрителя перечеркивает шаблонность восприятия. Данное композиция дает возможность посмотреть на объекты, в этом случае круги, совершенно новым взглядом. Теперь они не простые и привычные геометрические фигуры, а воздействующие на визуальное восприятие человека символы, не отделимые от цельной картины.

Насыщенная и жизнерадостная цветовая гамма дополняет это чувство, усиливая его.

Оп-арт (англ. optical art — оптическое искусство) — художественное направление второй половины ХХ века, применяющее разнообразные визуальные и оптические эффекты, зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия пространственных и плоских фигур.

Это направление приобрело широкое распространение в разных сферах: изобразительного искусства, рекламы, дизайна, моды, а также в оформлении театральных постановок.

Оп-арт — направление, которое перевернуло представление об абстрактном искусстве в середине XX века. Представители этого течения стремились «оживить» плоское пространство, за счет сильного цветового контраста, геометрических линий.

Решительная работа справа принуждает усомниться в своем зрении. Она впечатляет своими смелыми деталями и сильным воздействием иллюзии.

Работа слева же удивляет своей новаторской решительностью. Ей присущи бодрость и, даже несмотря простоту формы круга, неповторимая многоплановость.

Хотя термин принято относить к 20 веку, интерес художников к вопросам оптического восприятия и возможностям преображения действительной реальности возник гораздо ранее. Им интересовались еще мастера эпохи Возрождения, импрессионисты, позднее художники-дивизионисты, экспериментировавшие с удаленным восприятием зрителя. Эти исследования были продолжены кубистами, которые играли с предметами, складывая их в необычные комбинации. На возникновение Оп-арта повлияло и творчество деятелей школы «Баухаус», эксперименты с цветом Поля Сезанна. Более того деятели искусства этого направления вдохновлялись кинетическим искусством — произведениями с подвижными частями.

Данное направление получило признание и популярность благодаря выставке 1965 года «Чувствительный глаз» (англ. — The Responsive Eye). Сам термин «Оп-арт», предположительно, впервые был использован в 1964 году Дональдом Джаддом в рецензии на выставку «Оптические картины» Джулиана Станчака.

Сложно сконструированная, безупречная оптическая иллюзия Виктора Вазарели напоминает нам о том, как наш мир может быть одновременно структурным и хаотичным, понятным и нелогичным. В нем есть место всему.

Работа демонстрирует то, что именно человек, воспринимая окружающую действительность, дает названия и оценку всему вокруг. Только от смотрящего зависят все предметы вокруг него, какие качества они приобретут.

Фразы «красота в глазах смотрящего» Оскара Уайлда и «красота есть во всем, но не всем дано это видеть» Конфуция как раз об этом.

При отборе материала для визуального исследования я опиралась на интернет-источники, книгу об истории искусств 20 века, несколько статей ученых, свой опыт посещения музеев.

Принцип рубрикации визуального исследования основан на художниках Оп-арта. В каждой главе рассматриваются и сравниваются авторы Оп-арта, их техники, идеи и вклад в направление.

Проанализировать текстовые источники было важно, в первую очередь, для того, чтобы узнать историю возникновения и формирования направления, его влияние на дальнейшую историю. Также это было необходимо для анализа сюжета большинства работ. Основными текстовыми источниками послужили статьи из журналов, Википедии, личный опыт, посещение музеев, а также книга об истории искусств 20 века, 21 века.

Виктор Вазарели по праву считается одним из прародителей, основоположников Оп-арта посредством своих необычайно привлекательных и запоминающихся работ.

Вазарели являлся не только художником, но и идеологом движения, ученым, разработавшим первую работу в стиле Оп-арт «Зебры».

Все работы мастера, в той или иной степени, призваны поменять привычный взгляд на вещи, повседневность, мир вокруг. Они заставляют зрителя найти новую точку опоры, переосмыслить сформировавшиеся реакции, привычки, паттерны поведения с целью получить новый визуальный опыт.

От его работ и вправду невозможно оторвать глаз. Графичность, строгость, уникальный баланс цвета и систематичности позволили создать по-настоящему «живые», при этом безупречные картины, наполненные движением и иллюзией глубины.

Произведение построено на сочетании, игре черного и белого. Эта работа, ставшая своеобразной визитной карточкой художника, подтолкнет его на создание еще более причудливых, при этом более упрощенных работ того же мотива. Зрителю представляется приятное глазу, устойчивое сочетание самых базовых цветов, комбинирующихся определенным образом, тем самым создавая ощущение не просто объемного, но и многомерного, многогранного пространства.

Как писал сам Вазарели, «белые и черные значки, как знаменитые антиномии прошлого „день и ночь“, „ангелы и бесы“, „добро и зло“ в действительности являются взаимодополняющими факторами… соединив их вместе, мы обретаем полное знание».

Позднее художник начинает использовать в своих работах яркие и насыщенные цвета, не отходя от концепции четкости и строгости. Разработанная им проблема фона и предмета образовала сочетание, при котором человеческий глаз разделяет их, определяя новые пределы возможного.

Художник создает цикл чередования геометрической фигуры с фоном. При этом каждый из них поочередно занимает роль другого — фон становится главным объектом и наоборот. В ходе такой игры рождаются объем и плоскость, не враждующие между собой.

Сам автор называл этот неуловимый сознанием образ «иллюзорным вечным двигателем».

Джулиан Станчак — американский художник польского происхождения, один из выдающихся представителей оп-арта.

Именно с рецензии Дональда Джадда на персональную выставку «Джулиан Станчак: Оптические картины» в 1964 году Оп-арт получил свое название.

Художник делает фокус на создание в картинах иллюзии движения, мерцания и свечения. Всем его работам присуще ощущение дыхания, настолько искренне ему удается передать состояние цвета.

В своих работах художник исследовал влияние цвета на визуальный, эмоциональный и психологический отклик, вызванные им.

Произведениям, созданным в начале 1960-х, присуще воздействие на зрителя, происходящее в связи с использованием изогнутых линий и контрастных цветов. Вследствие возникает эффект вибрации, исходящий от работы. Рассматривая его произведения более 5 минут, можно ощутить необычный трепет внутри. В отличии от привычного трепета, в основе этого лежит непоколебимое умиротворение и тихое счастье. И это состояние за счет безудержной любви автора к цвету развивается дальше, приобретая еще более удивительные черты.

Таким образом, возникает необычное самоощущение на уровне восприятия или даже мозга, точно окружающий мир стал более острым и четким. Также и мысли становятся реже, а чувствительность обостряется.

На полотнах Станчака фигуры и линии пульсируют, оттенки мерцают, а движение всех объектов создает особенный танец по поверхности холста.

Выше представленные работы заставляют глаза одновременно расслабиться и максимально пристально вглядеться в детали, не упустить ни одну из них.

Холодная цветовая гамма освежает, в какой-то степени вводит в состояние задумчивости, объединенное с ясностью в голове.

Бриджит Райли — английская художница, считающаяся королевой Оп-арта и являющася первой британской художницей и первой женщиной, награжденной Международной премией в области живописи.

Работы всемирно известной художницы стали синонимом Оп-арта 1960-х годов. В 1965 году она участвовала (наряду с Вазарели) в легендарной выставке «The Responsive Eye», которая принесла ей международную славу.

На упомянутых выше работах читается живость и разнообразие восприятия цвета. Они вселяют чувство праздника, торжества и неукротимого счастья.

Работы Райли влияют на визуальное восприятие таким образом, что глаза начинают хаотично «танцевать» на холсте: ритмичные элементы колеблются и словно блестят и струятся, дезориентируя видение зрителя.

Художница в своих работах интересуется проблемами передачи динамики. Ее изобразительный стиль, сформировавшийся к 1960-м гг. олицетворяет определенные повторяющиеся графические компоненты, расположенные на всей поверхности полотна. Ее стиль располагает к приятному внутреннему диалогу, саморефлексии.

Меняя формы, размеры и расположения фигур, автор добивается эффекта движения и перемещения. Свои композиции она наделяет природоподобными явлениями, поясняя, что природа в ее понимании — не просто пейзаж, а постоянное движение визуальны волн, цветов, форм.

Ее подход к изучению и применению визуальных эффектов раскрыл двери возможностей, как для зрителей, так и для художников. Глядя на ее работы становится ясно: смелость и настойчивость в создании нового позволяют и помогают воплотится самым неожиданным идеям.

Мягкие переливы формы и цвета, которые согревают и будоражат воображение. В них читается динамичность, строгость, при этом сохраняется, воздушность легкость и непосредственность.

Вытянутые и продолжительные линии двух работ перекликаются друг с другом. В них можно разглядеть взаимосвязь свободного цвета и постоянство с правильностью геометрических линий. Эти две детали усиливают друг друга, напоминая о том, что в мире есть место для всего.