Концепция
Роман «Тля» (опубликован в 1964) — это идеологически выверенное произведение, направленное против «космополитов» и «сионистов» в советском искусстве.
Шевцов показывает зарождение и механизм действия «тли» — либеральной прослойки в искусстве. Такие люди под маской новаторства и «общечеловеческих ценностей» насаждают чуждое, бездуховное искусство, разлагают общество и пытаются захватить власть в художественном сообществе. Этой негативной силе противостоят художники-патриоты — нравственные советские граждане, таланты, творящие для народа.
Роман заканчивается на оптимистической ноте: манипуляции «тли» (ложь, подкуп публицистов и критиков) выплывают на поверхность, правда торжествует, народные таланты демонстрируют свою близость народу (в кульминации герои помогают колхозникам спасти сено от грозы, пока космополиты сами спасаются от неё бегством). Но автор ясно дает понять: расслабляться нельзя, «тля» может вернуться в любой момент, и борьба с ней циклична, поэтому обязана стать делом жизни каждого честного человека.
Особенно, если этот человек — видный политик или вовсе, Генеральный Секретарь.
Так, в 1962 году Никита Сергеевич Хрущев посетил выставку в Манеже, посвященную 30-тилетию МОСХа, где вместе с людьми из Политбюро (Александром Шелепиным, Кириллом Мазуровым, Екатериной Фурцевой, Михаилом Сусловым и Леонидом Ильичевым) подверг жестокой, деконструктивной критике работы учеников художника-авангардиста Элия Белютина. Несмотря на то, что авторы полотен питали светлые надежды к периоду Оттепели и готовились к подробным, вдумчивым обсуждениям своих творческих замыслов, практически все они были не только несправедливо унижены, но и подвергнуты множественным наказаниям и исключению из художественных объединений. Самым удручающим был неоспоримый факт, что следом за государственными деятелями, презрение и предвзятость к авангарду подхватит и вся советская общественность.
Как рассказывал художник Леонид Рабичев, мимика Хрущева во время осмотра выставки напоминало «то лицо ребенка, то мужика-простолюдина, то расплывалось в улыбке, то вдруг на нем обозначалась обида, то оно становилось жестоким, нарочито грубым, глубокие складки то прорезывали лоб, то исчезали, глаза сужались и расширялись».
Рабичев заявил, что Хрущев «мучительно» пытался понять смысл произведений, и в какой-то момент его лицо сделалось «откровенно злым»: «Никита Сергеевич молчал около двух минут, а затем громко, с ненавистью произнес: „Говно!“ И, подумав, добавил: „Педерасты!“ Тут все сопровождавшие его государственные люди, как по команде, указывая пальцами то на одного, то на другого, закричали: „Педерасты!“
По мнению Политбюро, всё, что не силились понять и прочувствовать они сами (при этом, усилий к этому даже не было приложено. А работы, угождавшие идеологии, принадлежавшие известным соцреалистам, были просто оставлены без комментариев), было недоступно и народу. „Художников учили на народные деньги, они едят народный хлеб и должны работать для народа, а для кого они работают, если народ их не понимает?“
Так, „Запрет на Белютина“ продлился почти 30 лет, прежде чем в декабре 1990 года правительство перед ним извинилось. Однако годы, потраченные на целенаправленное игнорирование новаторской, либеральной, оставленной без поддержки „тли“, было уже не вернуть.
Похожий феномен находит себе место и в современности. Часть произведений искусства автоматически признаётся „утилем“, если так говорят руководители ответственных за искусство отраслей. Это приводит к тому, что число различных взглядов на одну и ту же реальность непроизвольно сужается под давлением власти. В этом заключался и парадокс „лояльной“ Оттепели, и современные требования Министерства Культуры, и в целом, цикличность противостояния „народных талантов“ и „тли“. Творить возможно на любые темы, но „слишком смелые“ идеи зачастую оставались без финансирования.
Цель исследования — дать почву для размышлений о новаторском и безопасном, коммерческом и «инди», кого можно назвать «тлей» в современности, и так ли она вредоносна сейчас и «вообще».
Решение, которое вынесет читатель, после просмотра этого исследования, зависит от него самого. Я не призываю соглашаться с высказыванием и приведенными сравнениями. Я развиваю, подкрепляя изображениями, свое мнение на поставленный вопрос. И в качестве гипотезы привожу один приоритетный аргумент: суть искусства — открывать разнообразные грани реальности. Поэтому отличающиеся стили/техники исполнения, не важно, почитаемые или раскритикованные обществом, служат ей одинаково: вдохновляясь одним и тем же предметом, авторы расширяют численность точек зрения, через призму которых можно взглянуть на этот предмет.
Структура исследования построена на рассмотрении выставлявшихся в Манеже, в 1962-м авторов: как почитаемых соцреалистов, так и сторонников новых стилей, авангарда.
Творцы будут рассмотрены индивидуально, но вместе с тем некоторые их работы я намерена ставить в «диптихи» с художниками противоположного направления. Так будут подсвечиваться сходства: в тематике, в приёмах, в вдохновении, в атмосфере работ.
Ниже представлены краткие творческие портреты художников, чьи работы экспонировались на исторической выставке «30 лет МОСХа»
Александр Александрович Дейнека (1899–1969)
Видный деятель советского искусства, мастер плаката и мозаики. Лауреат Ленинской премии. Его творчество формировалось в 1920-е годы в объединениях ОСТ и «Октябрь». В 1960-е Дейнека обладал нерушимой репутацией мастера, и его работы были признаны, как Политбюро, так и советским обществом.
Многие работы Дейнеки отражают становление новой советской идентичности. Они агитируют, вдохновляют на свершения, освобождение от оков «старого мира» и чёткое устремление вперёд — к спортивным, инженерным и личным рекордам.
Название работы Дейнеки: «Бег» (1934). Парная работа и автор: «Геологи» —Павел Никонов.
Обе работы изображают советских людей в момент преодоления себя — физически и психологически. У Дейнеки бегуны устремлены к победе, их тела выглядят совершенно, подтянуто. У Никонова геологи находятся в тяжелой ситуации, их позы передают усталость, потерянность. Диптих показывает, разницу в визуальном описании подвига.
Павел Федорович Никонов (1930–2025)
Никонов окончил Московскую среднюю художественную школу, затем Суриковский институт (1956). В 1959 году отправился в первую творческую поездку в Сибирь, на строительство Братской ГЭС. Впечатления от поездки легли в основу серии полотен, которые сделали его одним из лидеров нового направления — «сурового стиля».
Однако не столько масштабы стройки так вдохновили творца, сколько встречи с самими трудящимися, чей вид явно выбивался из идеализированных, пропитанных позитивом и героизмом канонов. Позднее, художник принимал участие в экспедиции в Восточные Саяны, где незапланированно пересекся с заблудившимися, изможденными исследователями. Именно их образы легли в сюжет картины «Геологи»
В 1962 году на выставке в Манеже художник представил эту картину. Она стала одной из главных мишеней критики, из-за непривычных советским стандартам интерпретации темы и визуального языка. Но впоследствии работа вошла в число знаковых произведений отечественной живописи.
Роберт Рафаилович Фальк (1886–1958)
Фальк — один из самых известных русских художников-авангардистов первой половины XX века, член объединения «Бубновый валет». В 1950-е годы, после смерти Сталина и с наступлением Оттепели, его работы постепенно начали выставлять с «полки» (куда откладывали всё отвергнутое цензурой искусство) в свет.
На визуальный язык художника повлияли постимпрессионизм, эксперименты с кубизмом в составе «Бубнового валета», а также свойственное многим нонконформистам вознести чувство выше «правильной» формы.
Название работы Фалька: «Обнаженная» (конец 1920-х — 1930-е). Парная работа и автор: «Утро» Александр Дейнека.
Оба художника пишут женское тело, но по-разному. У Дейнеки (и соцреализма в целом) обнаженная натура — это гимн здоровью, спорту, физическому совершенству. У Фалька вальяжная «Обнаженная» отражает живописное исследование объема, цвета, света. Работа, показанная в Манеже, вызвала скандал уже после смерти Фалька.
Митрофан Борисович Греков (1882–1934)
Греков (настоящая фамилия Мартыщенко) родился в семье донского казака. Окончил Одесское художественное училище, затем Петербургскую Академию художеств, где учился у Ильи Репина и Франца Рубо — классика батального жанра. Считается родоначальником советской батальной живописи. К 1962 году, когда проходила выставка в Манеже, он уже почти 30 лет был признанным «народным талантом» и образцом для подражания в искусстве.
Участвовал в Первой мировой и Гражданской войнах, поэтому созданные им полотна стали проекцией взгляда не только художника, но и очевидца исторических событий. Разумеется, на становление известным в широких кругах мастером повлиял и факт, что Митрофан Борисович воевал в Красной армии, поэтому имел способность искренне идеализировать поступки сослуживцев и подхватить популярную тенденцию в искусстве раннесоветского периода.
Среди работ Грекова много динамичных, масштабных полотен, едва ли не с документальной достоверностью передающих атмосферу сражений времён Гражданской войны, но одновременно подсвечивающих героизм и до «романтики» непоколебимую преданность советским идеалам.
Также, кисти художника свойственны и монументальные работы, которые своей широтой холста создают эффекту присутствия у зрителя в эпицентре событий. А ещё полевые зарисовки, мгновенные фиксации всей «правды» войны — тягот солдатского быта, отступлений, потерь.
Название работы Грекова: «Отверженные. Отступление корниловцев» (1920-е)
Парная работа и автор: «Расстрел» Люциан Грибков
Оба художника обращаются к теме революционного насилия, но с принципиально разных позиций. Греков показывает «чужих» (белогвардейцев) как побежденных, сохраняя эпическую дистанцию. Грибков показывает «своих» (большевиков) в момент расстрела. В диптихе сталкиваются «официальная» память о войне и «нонконформистская», травматическая.
Сергей Васильевич Герасимов (1885–1964)
Сергей Герасимов — советский живописец, график, народный художник СССР. Председатель Оргкомитета Союза художников СССР (1954–1957). Так же общепризнанный мастер, занявший привлекательные для советской идеологии ниши: иллюстрирование русской классики (Лесков, Гоголь), обращение к крестьянской и историко-революционным темам.
Творчество Герасимова по своей тематике и исходящей из полотен атмосферы гордо транслирует свою принадлежность, понятность и близость народу.
Название работы Герасимова: «Мать партизана» (1943–1950). Парная работа и автор: «Озеро. Семья охотника» (1964) Николай Андронов.
Оба художника обращаются к «народной жизни». Герасимов строит образ через героизацию (мать партизана как символ стойкости всего народа). Андронов показывает быт семьи из глубинки, вовсе не героев, крупными пазками подчеркивая их замкнутость и отстраненность. Диптих демонстрирует, как «народная тема» прошла путь от «пафосности» соцреализма до «правды без прикрас» сурового стиля.
Элий Михайлович Белютин (1925–2012)
Белютин — художник, теоретик искусства, основатель и руководитель студии «Новая реальность». В 1940-е годы учился в МГХИ им. Сурикова, но был отчислен за «формализм». Он вдохновлялся абстрактным экспрессионизмом, был сторонником главенства эмоции над формой в творчестве.
Именно его ученики (около 60 человек) были в ночь на 1 декабря 1962 года добавлены в экспозицию Манежа.
Несмотря на такие приёмы, как деформированность человеческих фигур, яркий цветовой и фактурный контраст, работы Белютина нельзя причислять к наивным или бессмысленным. Сам творец за жизнь набрался огромного эмоционального опыта — и благостного, и травматического (участвовал в Великой Отечественной войне, дошел до Берлина). Суть его картин заключалась в максимально живом «выплёскивании» этого опыта, свободном от правил и стилистических ограничений.
Название работы Белютина: «Женщина с ребенком» (1958) Парная работа и автор: «Портрет» Аркадий Пластов.
Причина: Диптих демонстрирует главный конфликт выставки 1962 года: столкновение «непонятного» (абстракция, деформация, поиск нового языка) и «понятного» (реализм, узнаваемый образ, идеализация) Для Хрущева и людей из Политбюро работы Белютина были «мазней» именно потому, что в них не было «настоящего советского человека», совершенного, здорового, красивого.
Промежуточные выводы
Из сравнений выше можно проследить, что ключевая разница между «традиционалистами» и «тлёй» (авангардистами, нонконформистами) заключается в приоритетности формы изображения.
Соцреализм превносит «парадный» внешний вид и героизм, суровый стиль обнажает «правду без прикрас», таким образом высказывая уважение к тяжести труда, а авангардные направления сосредотачиваются на эмоции, живости и общем настроении.
Но, несмотря на колоссальную разницу в исполнении (и в отношении публики), именно это разнообразие формирует полноценный «слепок эпохи», показывая, каким многогранным было отношение к российской и советской действительности, истории, к людям вокруг и к собственной идентичности.
«Тля» в современности и вывод
Существует мнение, что в настоящее время (2020-е) описанная Шевцовым борьба «честных народных творцов и талантов» с «космополитами и сионистами» («тлёй») стала противостоянием традиционализма против «толерантности» или коммерции против «андерграунда».
Запущен тренд на унификацию государственно одобряемого искусства (соответствие «традиционным ценностям», множественные ограничения. за границей тоже), а «тля» переместилась в «инди"-сектор.
Отсутствие поддержки «тли» приводит к репродукции искусством самого себя (множество сиквелов и франшиз, бесконечная «работа с наследием», недостаток выставочных пространств для современных живописцев), поэтому на поверхностном уровне период «победы над тлёй» приводит к затишью в мире искусства, как таковом, ведь противоречит его сути
«Авангарду» есть место. Традиционному искусству тоже. Не всё, что государственно одобренное или ориентированное на коммерцию — плохое. Но без «тли» не быть новаторству, которое не позволяет потенциалу искусства сузиться до репродукции самого себя и заработка на былых успехах.
