Стратегии художников на современном арт-рынке: Leigh и Kelly

Концепция

Современный арт-рынок все чаще рассматривается, как сложная система, в которой художественный язык, поддержка музеев, галерей и рыночные механизмы тесно связаны. Карьеры художников не всегда развиваются линейно, а тем более случайно. Чаще всего успех стоит за правильными стратегическими шагами: взаимодействие с музеями и галереями, участие в биеннале и работа со спросом на рынке.

Основной предмет моего исследования — стратегии художников на международном арт-рынке, рассмотренные через сопоставление двух художников: Симоны Ли и Эллсворта Келли. Не смотря на то, что они принадлежат к разным поколениям и работают в разных техниках, мы можем проследить, как художественный язык, взаимодействие с музеями и арт-рынком формируют статус художника и стоимость его работ.

Цель моего исследования — изучить, как работают стратегии художников на современном арт-рынке. На примере Симоны Ли и Эллсворта Келли я сравниваю быстрый рост современной художницы и долгую, постепенно выстроенную карьеру классика абстракции.

Я выбрала эту тему, так как на современном рынке искусства стратегическое поведение художника и его окружения становится не менее значимым, чем визуальный язык.

Отсюда можно выдвинуть гипотезу, что рыночная стоимость художника определяется не только визуальным языком, но и институциональной траекторией: участие в выставках ключевых музеев, биеннале и стратегией галерейного управления.

Отдельное внимание в исследовании уделяется визуальному анализу, посколько именно художественный язык становится отправной точкой для институционального и рыночного признания. Сравнение абстракции Келли с автоэтнографической пластикой Симоны Ли позволяет выявить разные способы работы художников с формой и масштабом. Визуальный ряд становится не иллюстрацией, а частью аргументации, показывая, как художественные решения влияют на траекторию карьеры.

Принцип отбора материала

Визуальный ряд: ключевые произведения определяющи ехудожественный язык, выставочные виды, стенды ярмарок, музейные инсталляции. Текстовые источники: музейные каталоги, личные сайты и интервью художников, пресс-релизы галерей, отчеты ярмарок (Art Basel, UBS, и другие), и рецензии в авторитетных источниках об современном искусстве.

Структура исследования

0 Концепция 1 Симона Ли 1.1 Путь Симоны Ли через музеи и выставки 1.2 Рыночная стратегия Симоны Ли 2 Эллсворт Келли: стратегия долгой дистанции 2.1 Пусть Эллсворта Келли через музеи и выставки 2.2 Рыночная стратегия Эллсворт Келли 3 Заключение

Вступление

Симона Ли — американская художница. Её масштабные скульптуры, посвященные теме женской идентичности в афроамериканской культуре, принесли ей международную известность. Карьера Симон Ли является ярким примером того, как социальная значимость художественных образов и сильное подкрепление музеев и галерей могут быстро привести к успеху в мире искусства.

В творчестве Симон Ли особое место занимает образ афроамериканки. Он выражается через скульптуру и вдохновлен культурой американской диаспоры, народными промыслами и архитектурой. В своих скульптурах она часто применяет керамику, рафию, бронзу, традиционные для африканской культуры. Ли часто изображает женские фигуры или бюсты без лиц, сочетая их с архитектурными элементами. Такой визуальный прием делает работы Ли узнаваемыми: сильные лаконичные образы, вдохновленные африканскими масками, бытовыми сосудами и традиционными африканскими строениями. Сама художница называет свой подход «автоэтнографическим»: она исследует культурные источники через собственный жизненный опыт. [1]

В период с 2000 до 2011 год Симон Ли прошла обучения по ряду программ (Haystack Mountain School of Crafts, Greenwich House Pottery и др.), которые помогли ей расширить профессиональные навыки и перейти от работы в ремесленных школах к сотрудничеству с Нью-Йоркскими институциями. В 2011 году становится резидентом Studio Museum in Harlem, который занимается продвижением художников африканского происхождения. Для Симон Ли участие в программе музея стало решающей точкой входа в арт-мир Нью-Йорка. (как помогла написать)

После резиденции в Studio Museum in Harlem художник и куратор Derrick Adams включил Симон Ли в групповую выставку, которую он курировал в Jack Tilton Gallery. По воспоминаниям самой Ли, она и галерист Jack Tilton сразу нашли общий язык. Ли присоединилась к его галерее, в которой провела две успешные выставки. [2]

В 2018 году Ли стала лауреатом престижной премии Hugo Boss Prize. Это привело ее к персональной выставке «Loophole of Reatreat» в музее Гуггенхайма. Победа в Hugo Boss Prize привела к тому, что интерес к работам Ли на платформе Artsy удвоился.

В 2019 году одна из крупных скульптур Симон Ли была приобретена Whitney Museum of American Art и ее включили в Whitney Biennial 2019.

Параллельно в 2019 году Ли получила заказ на создание скульптуры для пространства публичного искусства High Line Plinth. Ли создала бронзовую скульптуру высотой почти 5 метров. Название Brick House отсылает нас к сравнению силы и стойкости темнокожей женщины с кирпичным домом. В скульптуре соединён женских образ с куполообразными формами традиционного африканского жилища. Благодаря размещению в публичном пространстве о Симон Ли стали больше говорить

В январе 2020 года Ли официально присоединилась к одной из крупнейших международных галерей — Hauser&Wirth. Это сразу повысило ее видимость и спрос на работы.

Кульминацией институционального пути художницы стала Венецианская биеннале 2022 года. Симон Ли стала первой темнокожей женщиной, которая представляла США на этой выставке. Вокруг классического павильона художница возвела соломенную крышу, которая напоминала африканский рондавель. Во дворе была установлена бронзовая скульптура Satellite. Бюст был вдохновлен маской D’mba народа бага, только вместо головы Ли поместила спутниковую тарелку. [3]

Стоит отметить, что незадолго до Венецианской биенниале Ли совершила интересный ход. Она разорвала отношения с Hauser&Wirth и вернулась к сотрудничеству с Matthew Marks Gallary, которая и представляла Ли в Венеции. [4]

Стратегия Ли строится не плавно, а как серия точечных, но мощных прорывов. Ключевых площадки такие как, Guggenhaim, Whitney Museum, High Line Plinth и Венецианская биеннале, сделали ее одной из самых заметных фигур. Это повлияло на рост спроса и укрепило ее позиции.

Отдельно хочу отметить то, как работы Симон Ли вошли в публичное поле и оказались на пересечении современного искусства, моды и медиа. На обложке 17-го выпуска журнала Garage Зендея позирует в широкой юбке из рафии высотой около 3,5 метров. Впервые наряд был показан на выставке в музее Гуггенхайма в 2018 году. Юбка была представлена, как часть скульптуры Cupboard Vlll (2018). Это фигура темнокожей женщины с сосудом вместо головы.[5] Также для съемки Ли создала еще одну работу. Это была юбка весом 453 килограмма из розовой глины.

На арт-рынке путь Симон Ли показывает, как сильная поддержка со стороны музеев и крупных институций может быстро превратиться в высокий интерес коллекционеров. До 2010-х ее работы продавались по умеренным ценам. Но, начиная с 2018 года, ценовые показатели резко начали расти. В 2020 году, после объявления об участии художницы в Венецианской биенниале, был установлен её новый аукционный рекорд. Скульптура No Face (2020) продана на Sotheby’s за $403,200. Это в 4 раза больше эстимейта. [7] Предыдущий рекорд держался чуть больше полугода. Скульптура Decature (Cobalt), 2015, была продана выше эстимейта на 382% за $337,500. [8] Таким образом, всего лишь за год максимум цены вырос на 20%.

Стоит отметить, что вышеупомянутые суммы относились к работам относительно небольшого размера, до 1 метра высотой. Это говорит нам о том, что коллекционеры конкурировали за более «камерные» работы художницы. Крупные скульптуры художницы на вторичный рынок практически не попадают. Почти все работы Ли, выставлявшиеся на аукционах, имели высоту менее 90 см. Это связано с тем, что большие инсталляции сложнее разместить в частных собраниях. Единственная попытка продать крупноформатную скульптуру Cowrie (Candomblé), 2015, не увенчалась успехом. Однако на первичном рынке крупные работы Ли пользуются успехом. Так, например, галерея Hauser&Wirth в 2020 году продала 6-футовую скульптуру Las Meninas lll, 2020, за $325,000 на онлайн ярмарке Art Basel. [9]

Примеры аукционных продаж Симон Ли

1. Untitled VI (Anatomy of Architecture Series), 2016 Christie’s Цена продажи: $819,000 +105% к эстимейту Эстимейт: $300,000–$500,000

2. Shower Cap, 2013 Phillips Цена продажи: £175,000 +250%% к эстимейту Эстимейт: £40,000–£60,000

3. Birmingham, 2012 Sotheby’s Цена продажи: $2,167,500 +1139% к эстимейту Эстимейт: $150,000–$200,000

Пример Симон Ли подтверждает гипотезу, что цена формируется не только благодаря эстетике, но через поддержку премий, музеев и правильной галерейной политике. Разные составляющие стратегии сработали вместо очень хорошо: уникальный визуальный язык притянул музеи, музейные успехи повысили интерес коллекционеров, а галереи закрепили этот рост.

Эллсворт Келли — американский художник и скульптор, один из главных представителей минимализма, хард-эдж и живописи цветового поля. Визуальный язык Келли строится на чистых геометрических формах, монохромных цветах и простой композиции. Он первым из художников начал использовать холсты нестандартной формы.

Если сравнить с Симон Ли, которая опирается на женские фигуры и культурные отсылки, то Келли действует почти наоборот. Он радикально упрощает, убирает фигуративность и делает ставку на чистую форму.

Карьера Келли охватывает большую часть второй половины ХХ века и начала XXl. Он прошел путь от участия в послевоенных авангардных кругах Парижа до популярности в американской живописи. Первая персональная выставка Kelly, peintures et reliefs состоялась в 1951 году в парижской Galerie Arnaud.

В 1950-1960-х Келли регулярно выставлялся в ведущих галереях Нью-Йорка. В 1956 году провел первую выставку в Betty Parsons, продвигающей абстракционистов. А в 1959 году участвовал в музейной экспозиции Sixteen Americans в МоМА. [11]

Ключевым моментом в карьере Келли стал 1973 год, когда музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке организовал его первую ретроспективу. На тот момент ему было 50 лет. Получение ретроспективы в таком возрасте значило лишь одно: Келли уже воспринимали, как важную и влиятельную фигуру в истории искусства.

Вслед за МоМа последовали другие важные выставки в жизни Келли: 1979 — выставка новых работ в The Metropolitan Museum of Art; 1982 — скульптурная выставка в Whitney; 1996 — ретроспектива в Solomon R. Guggenheim Museum, которая также показывалась в LACMA, Tate Modern и Haus der Kunst.

Келли уделял большое внимание тому, как его работы выглядят в залах музеев и взаимодействуют с архитектурой. На выставке 1996 года в Гугенхайме Келли сам занимался развеской, и вероятно, потратил на это несколько бессонных ночей. [12] Келли был «чрезвычайно внимателен цвету, свету, форме и архитектуре». Это внимание распространялось и на то, как его работы выглядят в пространстве. [13] Такое внимание к экспозициям говорит нам о том, что развеска для него была частью художественной стратегии.

После 2000 года признание Келли в творческой среде достигло пика: Келли окончательно закрепился как один из ключевых художников современного искусства. В 2002 году SFMOMA показал большую экспозицию Ellsworth Kelly in San Francisco [14]. В 2008 году Musée d’Orsay в Париже провел выставку Correspondances: Cézanne-Kelly, а мюнхенский Haus der Kunst в 2011–2012 гг. показал первую полномасштабную ретроспективу черно-белых работ Келли. [15] В 2013 году, на 90-летие художника, одновременно прошли сразу несколько выставок. МоМА экспонировал серию живописных панелей Chatham Series, Национальная галерея Вашингтона представила серию цветных офортов, Фонд Барнса в Филадельфии — выставку Sculpture on the Wall, а Phillips Collection — подборку панно Келли. [16]

Начиная с 2000 года Келли получил ряд высших наград: The Praemium Imperiale Японской художественной ассоциации за живопись (2000), Орден Почетного легиона во Франции (2009), Национальная медаль искусств США (2012).

Ключевые галереи и их роль

Важным фактором стабильности рынка Келли стало его долговременное сотрудничество с выбранными галереями. В молодости он выставлялся в галерее Betty Parsons и в Sidney Janis. Однако, настоящий успех приобрел, когда в 1992 году пришел в галерею Matthew Marks в Нью-Йорке. С ней художник работал до конца жизни. Такое долгосрочное сотрудничество говорит нам о взвешенной и долгосрочной стратегии.

Траектория движения цен на работы Келли на арт-рынке характеризуется стабильностью и постепенным ростом, без ажиотажных всплесков. До своей смерти совместно с галереей Келли строго контролировал продажи. Жаклин Тран, директор Matthew Marks, отметил «Эллсворт больше всего заботился о том, кто станет владельцем его картин». Он отдавал приоритет музеям и авторитетным частным коллекциям. Галерея могла месяцами держать работу в резерве, пока музей собирал деньги. Такой подход сдерживал спекуляцию, так как покупатели нацеленные на быструю перепродажу отсекались, а на аукционы попадало небольшое количество работ.

Spectrum VI — самая дорогая проданная работа при жизни художника. На Sotheby’s в 2007 году ушла за $5,2 млн. Этот рекорд продержался более 10 лет. После смерти художника полотно Red Curve Vll было продано на Christie’s почти за $9,8 млн. После смерти художника рынок не перегрелся и сохранил стабильный рост, посмертного всплеска цен не произошло. Вероятнее всего это связано с тем, что основная масса работ уже была распределена по музеям и частным собраниям, а галерея Matthew Marks контролировала продажи на вторичном рынке. [17]

Сегментация рынка

Большие холсты и панно, особенно ранние фигурные полотна 1950-60-х годов, достигают наивысших цен. Их рассматривают как главные коллекционные объекты. Хотя Келли более известен как живописец, его поздние абстрактные скульптуры ценятся высоко. Отдельные работы из металла и бронзы продаются за миллионы долларов. Рисунки и коллажи, в том числе силуэтные рисунки растений, занимают средний ценовой сегмент и имеют стабильный спрос. Гравюры и литография — особая категория. Данный сегмент массовый и стабильный. Они часто присутствуют на аукционах и ярмарка, а цены начинаются от нескольких тысяч долларов. Благодаря не высокому порогу входа принты Келли обеспечивают доступ к его искусству широкой аудитории.

Кто покупает

С самого начала карьеры Келли стремился разместить свои произведения музейных собраниях. Практически каждый крупный музей современного искусства США имеет работы Келли. Именитые американские коллекционеры — поклонники и покупатели Келли. Известно, что миллиардер Eli Broad приобрел ряд ключевых работ для своей коллекции. Многие работы оказались в корпоративных коллекциях банков и компаний и выставляются публично. Так как рост цен на работы Келли стабилен из-за лимитированного предложения, то его работы привлекают арт-инвесторов. Но все же благодаря строгому контролю со стороны галереи, спекулятивные перепродажи работ Келли минимизированы.

Сравнение: общие черты и различия

1. Визуальный язык. У обоих художников присутствует четко выраженный, уникальный визуальный почерк, благодаря которому они узнаваемы на международной арене. Однако, различие в том, как стиль используется стратегически. Ли меняет и развивает его, подстраивая под социальные темы. А Келли, наоборот, придерживался одного стиля, делал его «вечным» и узнаваемым.

2. Влияние музеев. На статус работ Симоны Ли повлияли знаковые события: Hugo Boss Prize, Whitney Biennial, Венецианская биеннале. До этих событий она была менее заметна. Верно выбранный момент, такой как стать первой афроамериканской женщиной на Венецианской биеннале, может компенсировать годы невидимости. Эльсуорт стал классиком еще при жизни. Ведущие музеи проводили его ретроспективы и соревновались за право показать Келли.

3. Галерейная стратегия. Симон Ли перешла от небольшой галереи (Luhring Augustine) к мегагалерее (Hauser & Wirth) и перед Венецианской биеннале вернулась к более камерному Matthew Marks. Это показывает гибкость стратегии: на этапе роста ей понадобился глобальный ресурс H&W для продвижения на новых рынках. Элльсворт Келли и его галерея Matthew Marks последовательно отдавали приоритет музеям и крупным коллекциям, ограничивая количество работ на открытом рынке. Такая политика сокращала возможности для спекулятивной перепродажи и поддерживала относительно стабильный ценовой уровень.

В ходе исследования был рассмотрен путь двух художников, чьи стратегии на международном рынке оказались различными.

Симона Ли продемонстрировала модель стремительного роста, основанную на сочетании уникального визуального языка, сильной институциональной поддержки и актуального политико-культурного контекста. Studio Museum in Harlem, участие в групповых выставках, High Line Plinth и Венецианская биеннале сработали для Ли как катализаторы. Рынок отреагировал быстро: аукционные рекорды и рост цен. Для Эллсворта Келли, напротив, определяющим становится время. Его стратегия формировалась десятилетиями: от послевоенного Парижа до статуса классика американской абстракции. Узнаваемость его визуального языка создавалась не за счет резких поворотов, а благодаря последовательности.

Сравнение двух художников показывает, что устойчивость на рынке может быть сформирована, как быстром институциональным рывком, так и долгосрочным присутствием. Визуальный язык в обоих случаях играет ключевую роль, однако, его функции различны. Ли использует его как инструмент для политического и культурного высказывания. Визуальный язык Келли превратился в стабильную, независящую от моды эстетику.

Исследование демонстрирует, что стратегии художников на современном арт-рынке не сводятся к одному универсальному пути. Существует множество параллельных сценариев, каждый из которых требует собственной стратегии.